Мистецтво

Чим довше дивишся на картину Дієго Веласкеса « Меніни» 1656 року, тим більше питань виникає. Показовий приклад: вчені аналізують цю картину вже понад три століття і досі не дійшли згоди щодо її значення.

«Мало які картини в історії мистецтва породили стільки різноманітних інтерпретацій, як ця, кульмінаційна робота Веласкеса», – писав історик мистецтва та експерт з Веласкеса Джонатан Браун у своїй книзі 1986 року « Веласкес: художник і придворний ». Майже два десятиліття потому, під час лекції 2014 року в Колекції Фріка , він пожартував: «Я відчуваю в глибині душі, що, можливо, страждаю від ранніх стадій LMFS – синдрому втоми Лас-Менінас », додавши: «Я маю на увазі не картину, а текст про неї».

«Меніни» , своєрідний загадковий груповий портрет, населений дивним набором персонажів, включаючи принцесу, черницю, карлика та самого художника епохи бароко . Багато хто порівнює цю картину зі знімком, оскільки вона містить багато динамічних сцен. Водночас, при детальному розгляді видно, що вона, здається, не дотримується правил перспективи. Без чітких доказів намірів художника чи побажань його покровителя, як глядачі, так і історики здебільшого залишаються з теоріями та питаннями без відповідей.

Незважаючи на цю неоднозначність — або, можливо, саме завдяки ній — «Меніни» знайшли своє місце серед найвидатніших західних картин усіх часів. Нижче ми розглянемо, що ми знаємо (і чого не знаємо) про цей незбагненний іспанський шедевр.

В історії живопису картина Жана-Оноре Фрагонара « Гойдалка » (1767) не має собі рівних за своєю легковажністю та надмірною романтикою. У центрі роботи молода жінка, одягнена в розвівається, з рюшами, балетно-рожеву сукню, ширяє на драматично освітленій галявині, гойдаючись над землею на гойдалці з малиновою подушкою. Вона кидає свій туфель на низькому підборі до пустотливої ​​скульптури купідона, дивлячись на чоловіка, що розпластався в кущах під нею. Її коханий одягнений у олов'яний костюм, простягає чорний трикутний капелюх у кущі та дивиться під спідницю жінки з тим, що можна описати лише як найбезглуздішу, найзакоханішу посмішку. У тіні позаду неї старший чоловік — можливо, її чоловік-рогоносець — смикає за віжки гойдалки.

Декадентська композиція майже кричить: «Нехай їдять торт!» «Гойдалка » не особливо близька глядачеві 21-го століття чи будь-кому, хто не пов’язаний з двором у Парижі чи Версалі, і не пропонує серйозних істин про людську природу. Хоча в історії її створення є багато інтриги, «Гойдалка» зрештою насолоджується веселощами, фантазією та ідеалізованим високим світом . Її гедоністичний сюжет та нав’язливі деталі роблять її іконою стилю рококо та постійним джерелом творчого натхнення та візуальної насолоди.

«Третє травня 1808 року » Франсіско де Гойї , яку іноді називають найвидатнішою антивоєнною картиною, першим сучасним витвором мистецтва та беззаперечним шедевром художника, провела більшу частину перших 40 років у сховищі. Замовлена ​​в 1814 році тимчасовим іспанським урядом, вона була холоднокровно сприйнята та пізніше передана до музею Прадо в Мадриді. Лише в 1872 році музей потурбувався включити картину до свого каталогу. На той час жахи, зображені Гойєю, майже не залишилися в пам'яті живих. Але в 1814 році вони були такими ж свіжими для народу Іспанії, як для нас сьогодні різанина протестувальників у Каїрі, ураження газом Дамаска чи вибух у Бостоні.

Гойя запевнив урядовців, що його картина «увічнить… найвизначніші та найгероїчніші дії нашого славного повстання проти Тирана Європи». Йдеться про Наполеона , який захопив контроль над Іспанією на початку 1808 року та змусив короля Карла IV зректися престолу . 2 травня група іспанських лоялістів спробувала повернути владу в Мадриді. Але повстання виявилося повним кривавим провалом, і наступного ранку французькі війська вивели з міста сотні підтверджених та підозрюваних повстанців і розстріляли їх. Шість років по тому, коли імперія Наполеона була в руїнах, а син Карла опинився на іспанському троні, Гойя завершив два великі полотна, що зображують події повстання: одне — повстання 2 травня, а інше — більш знакове та тривожне — страт 3 травня.

Мало які твори мистецтва краще підсумовують дикий екстаз і дивність похоті, ніж знаменитий триптих Ієроніма Босха « Сад земних насолод» (1490–1500). Домінуючим предметом картини є тілесна насолода. В одній частині група оголених фігур переплітається, кусаючи гігантську соковиту полуницю. Інші захоплено гойдаються з палаців, побудованих з форм, що нагадують набряклі репродуктивні органи, мерехтливі кристали та насіннєві коробочки, готові лопнути. Фонтани чистої блакитної води течуть прямо в роти; зривають фрукти; і дуети пестять блискучі бульбашки, прочинені мушлі молюсків та пухкі нектарини.

Картина здебільшого зображує неприборкану, глибоко сповнену уяви пустощі. Але головне послання Босха тут — і складний, підступний символізм, який його підкріплює — є безумовно складнішим. Теми гріха, покарання та пекла також пронизують шедевр. Протягом століть радикальна творчість та образна іконографія художника викликали бурхливі наукові дискусії та провокаційні побічні ефекти .

Ян ван Ейк , фламандський художник, який працював у Брюгге, найбільш відомий своїм загадковим портретом Джованні (?) Арнольфіні та його дружини (1434). Ця картина, яку в народі називають « Портретом Арнольфіні» , за майже шість століть з моменту свого створення поставила більше запитань, ніж відповідей. Пара стоїть у гарно обставленій кімнаті, права рука жінки лежить на лівій руці чоловіка. Вони одягнені у важкі на вигляд тканини та хутра, а ретельно розміщені символи надають значення кожному квадратному сантиметру картини: маленький песик біля їхніх ніг; одна запалена свічка в люстрі; апельсини, що сидять на скрині; взуття, викинуте на задньому плані та передньому плані; і дивне опукле дзеркало на стіні позаду пари, яке відображає всю сцену назад до глядача. Деякі історики мистецтва витратили всю свою кар'єру, намагаючись розшифрувати ці символи, саму сцену та людей на картині. Від питань вагітності до точності перспективи, неправильні інтерпретації поширилися та розвивалися з моменту надходження цієї картини до Національної галереї в Лондоні в 1842 році. Нижче ми розвінчуємо три основні помилкові уявлення про портрет Арнольфіні .

Портрет Арнольфіні – це зображення весілля

Неможливо обговорити «Портрет Арнольфіні», не згадавши Ервіна Панофскі, мистецтвознавця, який спробував розплутати шедевр Ван Ейка. У 1934 році Панофскі написав переконливу розповідь, у якій враховано кожну деталь: Що зображено? Робота зображує певний вид шлюбної церемонії. Хоча обстановка може здатися дивною, а свідків мало, до 1563 року двоє людей могли укласти дійсний католицький шлюб без свідків і в будь-якому місці, в будь-який час, якщо була «взаємна згода, виражена словами та діями». Чому на люстрі горить лише одна свічка? Як пояснив Панофскі: «Палаюча свічка — символ всевидючої мудрості Бога — не тільки була і часто є необхідною для церемонії складання присяги загалом, але й мала особливе значення для весіль».

У своєму есе Панофскі з твердою та непохитною переконаністю розглянув кожен елемент картини. Однак у 1990 році документ, що детально описував шлюб Джованні Арнольфіні та Джованни Ченамі, показав, що пара одружилася в 1447 році, через шість років після смерті ван Ейка ​​та через 13 років після завершення роботи над картиною. Це відкриття знову порушило деякі з найголовніших питань щодо картини та відкрило нові інтерпретації її значення, одна з ідей полягає в тому, що твір радше демонструє статус і багатство, ніж щось інше.

Париж, 1863 рік. Французький уряд готується відкрити свій дворічний Салон, під час якого в Академії витончених мистецтв міста проходять найважливіші роботи живопису та скульптури дня. Художники з усієї Європи подають на розгляд свої пейзажі, портрети, натюрморти та історичні сцени. Журі визначає, яким художникам буде дозволено — а яким ні — виставляти свої роботи на священних стінах академії. Зрештою, журі відхиляє полотна таких світил, як Поль Сезанн , Едуар Мане , Каміль Піссарро та Джеймс Еббот Макніл Вістлер .

Намагаючись заспокоїти відкинутих художників, імператор Наполеон III засновує окрему виставку під назвою « Салон відкинутих », яка має відбутися в Палаці промисловості. Однак, замість того, щоб стати зневаженими ізгоями, відкинуті зрештою досягають тривалої слави; історія пам’ятає цю групу як піонерів авангарду. «Салон відкинутих цілком може бути найважливішим інституційним кроком у розвитку сучасного мистецтва», – якось писав історик мистецтва Альберт Буаме .

У 1875 році Томас Ікінс вирішив написати картину, яка б прославила його рідне місто Філадельфію. Наступного року в місті мала відкритися перша в історії Всесвітня виставка, що відбулася у Сполучених Штатах, Сторічна міжнародна виставка. Своєю картиною Ікінс сподівався вшанувати наукові прориви, що з'явилися в місцевому медичному коледжі Джефферсона. Художник спостерігав за процедурами відомого хірурга доктора Семюеля Гросса наживо, а потім переніс їх на великомасштабне полотно, яке він назвав «Доктор Гросс» (1875) (тепер відоме як «Клініка Гросса »). Ця робота стала, мабуть, найважливішою картиною в історії американського мистецтва.

Амбітна картина Ікінса принесла віртуозність епохи Відродження до Сполучених Штатів середини 19 століття, коли американське мистецтво все ще намагалося знайти своє місце на світовій арені. «Клініка Гросса» , яка досі висить у Філадельфії, є тріумфом композиції, світла та тіні. Картина залишається неймовірно моторошною: на полотні зображено доктора Гросса, який оперує оголене стегно за допомогою п'яти асистентів, що сидять. Кров покриває їхні руки, скальпелі та глибокий розріз до середини коліна пацієнта, який інакше був би прихованим. Жінка-спостерігачка прикриває обличчя, а студенти в навколишньому амфітеатрі спокійно спостерігають і роблять нотатки. Картина одночасно розкриває і приховує свій сюжет, функціонуючи як жорстокий літопис і данина поваги науці. Ці суперечності роблять картину віртуозним подвигом, який продовжує захоплювати та лякати глядачів майже через 150 років після її створення.

Коли Ікінс розпочав роботу над «Клінікою Гросса» , він уже був досвідченим художником. Він закінчив Пенсильванську академію витончених мистецтв у 1866 році та продовжив свою художню освіту в Парижі, навчаючись у художників Жана-Леона Жерома та Леона Бонна . Життя в Європі дало Ікінсу доступ до музеїв, наповнених роботами старих майстрів . Під час візиту до Іспанії художник був захоплений полотнами Дієго Веласкеса та Хусепе де Рібери .

Вісімдесят років тому Пабло Пікассо отримав замовлення, яке назавжди змінило його кар'єру.

Іспанська Республіка, яка тоді перебувала у вихорі Громадянської війни в Іспанії проти майбутнього диктатора Франсіско Франко, попросила Пікассо, серед кількох інших видатних художників, створити картину для її павільйону на Паризькій міжнародній виставці 1937 року. Його роботою стала «Герніка» – нині легендарна картина розміром з фреску, натхненна бомбардуванням невеликого баскського містечка, яка зараз знаходиться в Національному музеї Центру мистецтв королеви Софії в Мадриді.

Хоча численні роботи Пікассо були визнані шедеврами, як-от «Авіньйонські дівчата» (1907), яка, як кажуть, дала поштовх західному абстрактному мистецтву, «Герніка» стоїть окремо у плідній творчості художника. Чому саме ця картина знайшла відгук у багатьох поколінь глядачів?

Художні експерименти, що призвели до появи «Герніки»

На виставці, що зараз відкрита в музеї королеви Софії з нагоди 80-ї річниці створення та експонування «Герніки» , під назвою «Жаль і жах: шлях Пікассо до «Герніки »», куратори Тімоті Джеймс Кларк та Енн М. Вагнер заглиблюються у творчість художника протягом десятиліття до появи цієї роботи. Ці ранні захоплення включають інтер'єрні сцени та зображення жінок середини 1920-х та 30-х років – дві теми у творчості Пікассо, які зрештою проявляться в «Герніці» .

В середині 20-х років, приблизно в той час, коли Пікассо захопився сюрреалізмом , він малював інтер'єри з натюрмортами, зображуючи такі предмети, як музичні інструменти та фрукти. І спочатку ці роботи приносили задоволення. Але, як пояснює Вагнер, внутрішній простір незабаром став клаустрофобним. «Його задоволення ніби обвуглене та згоріле», — каже вона. «Він став театром для драми».